目錄歌曲旋律寫作手法六種 音樂創作的基本手法是什么 起承轉合創作四句音樂例子 音樂作曲技法有哪些 作曲基本手法6種
Superman - Eminem。
歌曲的創作一般有三種方式：一是先有文辭，后據之譜曲；二是先曲后詞，依聲填詞；三是通過已有曲或詞，重新譜寫詞曲，屬于改編或翻唱。
而唱法又分為一人獨唱，多人齊唱，多人多聲部重唱、對唱、改唯者聯唱、領唱、齊唱或合唱。
歌曲帶給人們的是全方位的聽覺享受，優美的旋律使人能夠產生高尚的想法，豐富人類的感情，促進他們理解人類情感的深邃內涵，達到心靈的和諧以及與自然的契合。
音樂內涵
歌曲的音樂內涵首先要確立旋律與節奏的關系。傳統作曲教材中都有這樣一句話：“旋律是歌曲的生命”。但是，從某種意義上講，這句話否山胡定了節奏在歌曲中極其重要的地位。從現代音樂發展的理論觀念來看，歌曲創作的切入點應該以節奏入手更方便、更易學和更易達到歌曲內在的統一。
因此，與旋律相比，節奏更具體、更直觀、也更原始遠古時期依耪于“擊石附石”的節奏且不核薯說，當今青年熱衷于“蹦迪”或“舞蹈機”，其中的感受恐怕節奏遠遠多于旋律。節奏在初學歌曲寫作的人手里尤其重要．只有掌握了節奏的框架概念，才能駕馭歌曲這種小而全的音樂體裁。
創作歌曲，都會有一些方法技巧，通過學習，才能作出更好的曲子。下面是我為大家講解一下歌曲作曲的方法技巧，僅供參考。
歌曲作曲的一般技巧
一、主題
一首歌并差好的音樂，要有一個能夠集中地概括整個作品的思想、感情、性格的音樂主題。樂曲的長短要根據內容而定，象一條主線貫穿全曲。歌曲的音樂主題往往是根據第一句歌詞的特點所創作出來的，有些歌曲的主題，往往根據半句歌詞加上襯字拉開來創作的，也有一些歌曲的主題，加了許多虛詞和襯字把主題加長了。
一首歌樂曲主題的配制，首先是從研究歌詞開始的，要進行反復吟頌，借此來了解歌詞的意境，進行研究分析，并對歌詞作修改和修整。要形成準確、鮮明、生動的音樂主題形象，才能正確深刻地表現詞意的思想內容;其次，對于體材也要選擇合適的，根據內容需要量體裁衣，以增加作品的表現力和藝術感染力。
二、發展
1、段落
音樂的發展安排在合理的作品結構之中，歌詞的結構是音樂段落結構的重要依據。段落分一段體，兩段體，三段體等。比較常見的是兩段體和三段。
段落可以分為對比和類似形式。對比，如：前面比較慶緩舒緩，后面比較高昂;前面比較緊湊，后面比較庸散。從文學上分析，如果你想用對比來創作的話，前面是敘事的話，后面一定要改成抒情。從音樂上說，前面如果旋律比較平，后面就大膽的多點起伏，前面節奏多用4分音符的話，后面就用8分或16分音符。從而起到對比的作用。在編曲上可以更明顯地看到，一般副歌部分總是比較高潮，而前面總比較緩慢。但這也不是絕對的。
一段體的大多都是小歌，如蘭花草，雪絨花等等。學吉他的人一定知道，是吉他入門的必彈曲。如果寫得好，那也是非常精致的東西。但一段體對旋律要求非常高，旋律一定要好聽，否則不行。現在三段體的也很多，如陳亦訊的十年(也有人把第二段看作起承轉合中的轉)，那英的征服(在歌后面有一段把情緒推向高潮的人聲部分)等等。
數學里面有黃金分割點，人們在美術、音樂等藝術領域都很注意這個點。按照美學觀念它是最完美的點。一首3分鐘的歌，在黃金分割點上，大概2分多鐘的時候，總是一個歌最最好聽的地方，他或是高潮部分，也許是一首歌最最精華的部分，在編曲上尤其是這樣。黃金分割點，是最容易打動聽眾的點，也是最容易渲染感情的點。
2、重復
重復永遠是音樂中的不二法門，從段重復到小節重復，幾乎每個作品中都可以看到他的影子。(重復也是同度模進)。重復的技巧也很多，移位重復還包括嚴格移位和混合連續移位。
3、倒影
它就像我們在水邊，看到自己的影子。如：33345 33321。
在五線譜中，以3橫線，就會發現，345往下翻180度的話，其旋律線條就會和321吻合。這樣寫出來的旋律，不會很散。
4、模進
模進分嚴格模進和自由模進。嚴格模進，要求各旋律音程之間完全一樣，旋律線條也要完全一致。如：3323 2212 。自由模進，則沒有這個限制。如：1123 3345(1和2之間是全音，3和4之間是半音，音程不同)
5、對格
各藝術門類都是相通的。在文學創作中的某些技巧，放到音樂里也完全適用。在一些人寫的詩聯，第一句的最后一個字，是第二聯的第一個字。放到音樂中的話，就是第一句最后一個音符，是第二句的第一個音符。然后依次類推。如：123 312 234 465，前面的最后一個音符，是后面的第一個音符。李宗盛有時通篇都使用對格的技巧。
6、變音
一般而言是指升降音符。用一些變音，會給人帶來新鮮的感覺，也容易使情感更加飽滿。
歌曲變音用得如何，很大程度上看作者對旋律的把握程度。一般來說，表現明亮色彩的歌曲用大調，相反，表達憂傷或絕鉛溫柔的歌曲用小調。我們也可以把大調的3音降半度，來表達憂傷或溫柔。在小調中，多使用#4和#5，是不會有錯的，因為小調的上行音階中本身就包括#4和#5。如果想寫一段帶有JAZZ風味的旋律，除了節奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法門，其實，這也是JAZZ的特有音階。
例如，羅大佑在愛的諍言里，A段第三句，用了#1 2 3的級進，給人一種憂傷的感覺，而且非常新鮮。李泉的愛的顏色中，用了：5 6 7 #1的旋律級進，四個全音連續上行，把感情發揮到了極至，也給人一種耳目一新的感覺。橄欖樹是一首非常經典的老歌，作者用了#4作為承上啟下，收到非常好效果。如果改用4的話，旋律色彩就會大打折扣。
7、濃淡疏密
1：疏密有致。國畫講究疏可跑馬，密不透風，有疏有密。在音樂中，前面幾小節如果節奏部分非常密集，后面一定要多寫些長音。如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排得平穩些，以起到一個平衡的作用。
2：深淺分明。國畫講究墨色深淺枯濕，分深、淺、灰等五色。在音樂作品中，如果前面兩小節都使用了上行的旋律，如：1123 3345，那后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，這樣讓人感覺旋律有起伏有變化了，聽覺上比較舒服，也符合自然規律。
如，開頭第一到第二句，旋律從低音5直線上升，且不帶拐彎地到達高音1，音程跨度純四度+純八度。第三句開始慢慢下降，從高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。給人感覺旋律起伏很大，感情全部發揮出來了，然后第四句旋律開始走穩。
8、調式
在古典音樂里，用什么調?抒發什么情感?需要的音樂效果是明亮的?還是灰暗的?或是雄壯的等等，都有嚴格的要求。
但在當今的許多歌曲，特別是流行音樂里，幾乎沒有這種限制了。現在作曲家對歌曲的定調，一般是根據歌手的音域來確定的。男歌手一般最高音定在G上。(鋼琴上叫小字二組G，吉他上是第一弦的第三品)。如果太高，降一度也夠了。女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(鋼琴是小字一組B。吉他是第二弦空弦)。太高的話也降一度。當然，這也不是絕對的，只是一個大致的范圍，聽說帕瓦羅蒂可以唱到高音#C。大家可以在琴上感覺一下，鋼琴是小字三組的#C，吉他是第一弦第九品。
9、變調
我在江西、北京兩次聽到張千一講自己的歌曲創作體會，每次對轉調的問題都談得特別多。調性的對比，確是非常重要而有趣的，一首歌前面如果是小調，后面可改用大調來發展。前面如果是C調，甚至你可以在后面安排bE大調(就是C小調)，都是可以的。這樣能讓聽眾有耳朵一亮的感覺。但不要忘記，調是為歌服務的，轉調是為了更好的抒發情感。所以不管你轉成什么調，一定不能單純為了轉而轉，音樂也要有再現。
齊秦的《大約在冬季》，他在第一段開頭用大調 1，結尾是小調 6，副歌部分也是小調，很好地抒發了離別的情緒。 張國榮的“共同度過”，本來旋律并非很出彩，副歌部分也是一般，但作者連續用了四個轉調，把感情全部唱出來了。 轉調技術在間奏里用得也比較多，還有離調，但這是編曲的范圍。如果間奏忽然轉調了，那么在結尾的時候，一定要再轉回原調。
調式的學問很多，在印度的音樂里，把3和4這一對半音兄弟，再切一半，變成12音音階，更難唱。光音階上的變化就有幾十種，還分上行和下行，還不包括臨時變音等，很難懂。
在大多的編曲書中，都說結尾一定要5級和聲轉到一級和聲。是C調的話，結尾一定要從G到C才可以，不然不及格。但有不少歌曲里面結尾并不到C，而是G到#G(就是#5 1 #2)，在聽覺上非常新鮮。還有G到G增和弦。就是(5 1 2)也非常新鮮。有一種意猶未盡的感覺。
10、起承轉合。
中國的詩詞歌賦是要講究起承轉合的， 四句式的歌曲或歌曲主題部分也有起承轉合音樂結構的。
開頭的第一句就是起，一般都是有音樂動機組成的，是寫歌的一個動機所在。
第二句就要相承了。
第三句就是轉，是主歌部分最精華所在，很多優秀的音樂人都在這里大做文章。如果前面兩句用上行旋律比較多的，第三句一定不要用，改成下行。前面如果旋律比較平和，到這里，一定要寫的凹凸些，就象美女的線條。用一些變音什么的，節奏改一些，也是非常常見的手法。
第四句叫合。是前三句的總結，有人把第一句照搬，那是最簡單的辦法。也有人把前面三句用到的動機，整合在一起作為第四句，也未嘗不可。實際上，創作手法是多樣化的，主要看情緒發展，你想表達什么。
11、詞曲配合。
漢字有本身的發音，1、2、3、4聲，念的時候，大家都嚴格按照發聲的，上入聲，本來也包含了音樂成分在里面。如果沒有按照發聲規律念，很容易就變成另外的意思了。而在音樂創作中，這是最最忌諱的。
如果歌詞的感覺是搖滾的，曲子卻寫成民謠的，聽上去感覺一定不行。曲子是古典風味的，而詞的感覺卻是很現代的，感覺就會很別扭。齊豫以前有盤專集，曲子都是從古典音樂里出的，新填上詞來唱，感覺不好。因為那是人家為器樂而寫的曲子，改成人聲了，當然不好。
12、最高境界。
魯迅先生說過，文學的最高境界就是，添一字嫌太肥，減一字嫌太瘦，就是說，好的文章，你一個字都不能增減。好的曲子也是一樣。加任何一個音符進去，你都覺得不好，刪除任何一個音符，你都覺得不對，到了那個時候，就是曲子最完美的時候。如果對巴赫的復調加音符進去，就會發現，加在任何一小節，其他地方都要作很大的改動，而改好之后，又會發現完蛋了，不能聽了。 但歌曲有所不同，因為要加歌詞。詞，是為曲服務的，是依附在曲子上的。所以寧可讓詞犧牲點，也盡量不要去改動曲子了。
作曲的小技巧
1.旋律猶如詞句。當你在寫作的時候，讓句子變得更長的方法，往往不是在后邊不斷的加上新的想法，而是為這個句子寫上一個從句構成主從結構。所以，如果我有一段4個小節的旋律，我通常會把最后一個小節刪去再續上一段變奏。這段旋律變得變得不完整，但因此可以被延長成為一段有多個樂句的長旋律。在大多數情況下，我會為這段旋律續上多段變奏，它們可以出現在歌曲的各個部位。
2.歌曲有其應有的長度，不應將之過度延長。一般，我會以一段八個小節的旋律開始，然后在其上增加或刪減節拍。我發現，對比原來的旋律與新的版本，原來的總是顯得缺乏生命與呼吸，甚至顯得有些機械化。重復往往有其修辭意義，我不會總是重復一段規律的旋律，但我會試著把這段8小節的旋律改變為7個或9個小節，這讓它聽起來起伏而帶有呼吸感。這就像人在自然說話的時候，從不會一直保持一個平穩的4/4拍節奏，而會間歇性時快時慢時輕時重。自然，每個人的品位不同，選擇也有不同，而且這個方法在groove driven風格的音樂里邊也許不夠適用，但是你也不妨試試。
3.將一切都唱出來，不管是旋律、低音線還暫時只停留在腦海的聲音。如果你無法將其哼唱出來，那它很有可能并不太好。當然，這也不總是如此。只有對自己的旋律創作有足夠信心的人才會逐漸剝離那些可以哼唱而出的音符，但在此之前，你還是試著把它們都唱出來吧。
4.所有的旋律表達都應清楚明晰。音調上升需呈上升之勢，三和弦組合也應明顯易辨，裝飾音則應清楚地表達出某些段落的特殊性。一般而言，表現出明顯趨勢的旋律段落需要有明確的概念表達，你得更好的思考這段旋律，刪去那些無益于趨勢律動表達的音符。一段表現明顯下降趨勢的曲調，就不應在其中夾雜太多的上升的旋律。這一點，會對你在創作合唱、多聲部或交響樂都有一定幫助。要知道，一段整體不佳的旋律常常是因為參雜了過多律動相異的音符而導致。
5.將樂曲分成樂句。好的音樂家的確能將“兩只老虎”也表演得令人陶醉難忘。但作曲家們，你們沒有那么大的運氣總是遇上這些超凡的表演者。他們都忙得沒有排練時間了，零碎的那點時間用來練習勃拉姆斯也比練習你的曲子有意義。所以，請把你的樂曲明確的標注出停頓起伏，并將之化為一段段的樂句，這樣你的曲子在任何情況下都不會黯然失其本色。標注出漸強、暫停、升高、較輕、較重、連續等等，這些都是一個聰明的作曲家應該寫清楚甚至應該強調的。如果你覺得這段旋律之后需要的是暫時休息，就請把切分換成休止。與其直接寫“強后突弱”，不如標明一人起音后再有漸強跟上，這樣表達更為明確，也不需要花更多功夫。
6.好的旋律意味著音調和諧。即使是一段無伴奏的旋律也應遵循這一點。一段旋律應該搭配的和弦作曲家們應是再清楚不過的了，但若未落筆寫明，誰也不知道真正配合的基音為何，所以請務必將其標明。作曲的時候，我發現，相比哼出一段旋律，唱出具體的音名對于協調音調更有幫助。這是因為，哆來咪實際上各自有著不同的旋律內涵，而任何一個音樂家都應注意到這點。
7.好的旋律也一定是友好的。你可以在這之上疊加另一段強烈的旋律，感覺還不錯的話，你甚至還可以在這之上再次疊加。
8.我發現，保持旋律的某種律動感不變，但同時隨意為另一層旋律移調，會為之創造出一種空間感，結構會變得明晰，而整體也更具動感。但讓所有的元素都隨意移調也許就會顯得有些失序了，聽者也會因缺乏以主要旋律作為引導而失去耐心，但無論如何，若整首歌都沒有移調，那又會顯得過于無趣了。
9.你需要讓自己的整體旋律具有足夠的能量。這樣他們在進一步的發展與改編后依然可以保持最初的聽覺特質，即使是調整了音調，加入了新的元素，最初的旋律依然清晰可辨。這樣的旋律在重復、比較中也能穿過多變的表層旋律直入內心。在創作交響樂時，你甚至不必再協調背景與主音之間的聲音輕重，旋律的靈魂已經早已深入聽眾大腦揮之不去。關于作曲的指導往往會局限于那些大眾化的作曲動機及與之相關的技巧。雖然這些技巧幾乎適用于所有的音樂風格，而且常常被人廣泛利用。但我不準備再給你關于所謂技巧上的建議(它們早就被別人解釋過一萬遍了)，技巧的確很重要，但我更愿意給你們技巧之外的同樣重要的問題。
最后，咱不用再說分析經典總譜有多重要了吧。畢竟，寫出好曲子不僅是寫出好的旋律段落，你還得知道如何將它們恰到好處地良好組織。
學習作曲的技巧
要熱愛生活，體驗生活，善于觀察生活
平時，在生活中要多看、多聽、多分析、擴大視野，增加生活積累。不但要對各種人、各種事善于體察、分析，還應對美好的大自然——山川、田野、大海、江河、風、花、雪、月 等等有更深的了解。只有這樣，當你想寫有關題材的歌曲時，才不至于腦子空空，毫無聯想 。試想，如果一個作曲者連山都沒有見過，怎能寫好一首登山的歌曲呢?最多只能借助于影 視或書本的間接介紹，但他決不能體會到登山時步履的節奏韻律，及攀登山頂后胸懷歡暢的 心情。
要有一定的樂理知識
歌曲是通過音樂來表現的，而音樂則需用樂譜記錄下來的。因 此，歌曲作者必須具備相當的樂理知識，青少年朋友應在這方面先打下良好的基礎。試想， 一首好的歌詞打動了你，你很想把它譜成曲，然而，頭腦中浮現的歌聲，卻不知如何用音 樂符號來表達;或者雖然用音樂符號記述下來了，但不確切、不完整，甚至與自已的本意相距很遠，這樣是寫不好歌曲的。3要善于學習各種音樂語言 歌曲是通過音樂語言來表情達意的，所以要想寫好歌曲， 首先要學會積累豐富的音樂語言。日常生活中，一個人的口才好，人們夸獎他“出口成章”，這并不是天生的，而是語言的不斷積累和反復鍛煉的結果。同樣，你若想寫好歌曲，也應不斷積累起豐富的音樂語言，供自已在創作實踐中運用。或許有些朋友會問，從哪里去找音樂語言?怎樣積累?途徑是很多的，如我國各民族、戲曲、曲藝和傳統樂曲，聶耳、冼星海、蕭友梅、黃自等老一輩作曲家的優秀作品，目前流傳很廣的一些優秀的藝術歌曲、群眾歌曲、通俗歌曲、新歌劇及影視音樂，以及外國古典及現代的優秀音樂作品，我們都應該熟悉和認真借鑒。就像海綿吸水那樣，吸收越多，儲備充足，到需要參考借鑒的時候，就能得心應手地為你所用。學習前人的創作經驗是文藝創作的必由之路，歌曲創作也不例外。如果掌握的曲調很少那么你的音樂語言就不會很豐富，有時顯得蒼白、單調。當代著名作曲家如賀綠汀、李煥之、劉熾、瞿希賢、王洛濱、施光南等的作品，都與民間音樂有著“不解之緣”，并從古今中外的優秀音樂作品中，吸取了豐富的音樂養料，所以他們的作口才能受群眾的喜愛。對于前人的作品還應善于學習，要分析他們的得失成敗，而不是盲目照搬，因為生活本般是豐富多彩的，而且每時每刻都在變化發展著的。還要學會分析自已的歌曲，經常給自己當老師，不斷總結經驗都訓，本著精益求精的態度，才能迅速提高。此外，有條件的朋友，還應多掌握些音樂知識及作曲技巧，比如與歌曲創作直接有關的和聲、復調及作品分析等知識。它們能幫助我們學會透徹地分析歌曲，提高創作技巧，更快地掌握作曲本領。
要有相當的文學基礎 歌曲是音樂與歌詞的結合
因此，歌曲作者的文學水平將直接關系到歌曲的創作質量。要熱愛文學，關心文學，并不斷提高自已文學水準。對于、報告文學，并不斷提高自已文學水準。對于、報告文學、散文，尢其是詩詞應給予很大的關注。歌曲作者必須具備一定的文學修養，比如對各種詩詞的了解，包括流派、創作及聲韻特點等。希望朋友們不斷提高自已的文學修養，以適應歌曲創作向我們提出的日新月異的要求。有了生活體驗，又常握了一定的寫作技巧，就應“勤寫多練“了。學到的知識如果只停留大書本概念上，不去實踐，不經常磨練，是寫不出好的曲調來的，所謂“熟能生巧”就是這個道理。但是，我們說的勤寫，是要動腦筋有意圖地寫，而不是無目的地瞎寫。比如，可以根據合適的歌詞寫一首完整的歌曲，也可以根據自已的能力，按特定的情緒要求寫一段曲調，甚至只求寫好一個或幾個不同的樂句，從中得到鍛煉和提高。循序漸進的規律，對于學習作曲同樣是適用的!
作曲對于我們音樂愛好者來講，也不是可望而不可及的事。俗話說：熟讀唐詩三百首，不會作詩也會吟。我們聽多了別人創作的優秀作品，有時自己也能哼出幾句別致的旋律，而這就是樂曲創作的火花。只是多數人都未能將其點燃成一團火，成就出一首作品就是了。
有興趣作曲的網友，不妨學習一下簡譜，先把自己哼唱的旋律記錄下來，這個不難。如不會簡譜就先錄下音。否則你以后往往就想不起來了，”火花“熄滅，悔之晚矣。
不過往往我們自己哼唱的新旋律和我們聽過的某首歌中的一段相似，這是難免的，初學嘛。也很可能記錄下的旋律，經一段時間再聽，感覺不咋樣了，那就廢掉，重找靈感。
旋律的發展手法主要有：重復、模仿、模進、擴充、緊縮、加花等。
主題發展的主要手法
欣賞大型音樂作品時，能聽出主題是很要要的，但之還不夠，還要學會聽懂主題是怎樣發展成一首大型作品的。主題的發展手法主要有重復、變奏、展開、對比、再現等，而這些發展手法之間有著密切的聯系，經常是混合使用的。現分述如下：
（1）重復：原樣地重復一次樂句或主題，是最基本的發展手法。重復已經不再是主題的第一次陳述，而是起強調和鞏固的作用。
（2）變奏：在原來音樂材料的基礎上進行一些小的變化，這種變化了的重復，比簡單重復要復雜一些。
（3）展開：從陳述過的主老雹題材料中，抽出一些小片段加以變化發展，其中有一種手法叫做模進，即模仿進行。就是把主題的某一小片段，在不同高度上重復。
（4）對比：把不同性質的主題材料放在一起進行對比，能產生矛盾的因素，從而豐富音樂內容。對比發展中又可能引出新材料，這就又出灶襲現新舊主題之間的對比和矛盾，從而使隱含兄樂曲的發展更為復雜。
（5）再現：是一種特殊的重復，這是音樂經過一段發展之后，或者在出現一段新的音樂材料之后，原來的主題又重新出現。這種主題的再度出現，不是單純的重復，而是在音樂內容經過呈示、發展之后。這是的主題再現，已經具有了結論的意義。因此主題的現對于樂曲結構的完整和內容的統一，有著特別重要的作用。
問悶返題一：列舉音樂的表現手法音樂的基本表現手法
1.曲調旋律、節奏、拍子、速度:
也叫曲調,是組織在一起的音的線條,在音樂中占有最重要的地位.是音樂內容最主要的表現手段；節奏：就象旋律的脈搏，象動作一樣，能給旋律帶來鮮明的性格。拍子：節奏在音樂中，總是和拍子結合在一起，如二拍子強弱交替反復，常用于進行曲、舞曲或表現歡樂；速度：一般來說，快速多表現活躍或激動的情緒，慢速多表現安靜、抒情或低沉的情緒.
2.調、和聲：
調中包含調的高度和調式螞扮饑兩個方面調式的轉變對比是發展音樂的重要手段之一，如在貝多芬的作品中，C大調常用來表現光明和剛毅；F大調常用來表現田園的大自然美景。和聲是單個 *** 按一定的規則連接起來的 *** 序列，在調式的基礎上產生，幫助旋律更豐富地表現音樂內容。和聲除了能夠給主要曲調充當背景外，自己還能夠在表現音樂內容和情緒上起色彩性作用，本身能極大地豐富音樂內容。
3.力度：
音樂的重要表現手段，在音樂作品中力度越強，音樂越緊張、雄壯，力度越弱，音樂越緩和、委婉，因此音樂作品中常運用強弱對比的手法來發展音樂。
問題二：音樂的表現形式有哪些音樂的表現形式可以分為人聲類和器樂類兩大類。
一、人聲類
1、獨唱（男女聲高、中、低音）
一種聲樂演唱形式，由一人單獨演唱，常用樂器伴奏，亦有用人聲伴唱者。因性別和各人的條件、音色不同，又可分女高音、女中音、女低音、男高音、男中音、男低音等獨唱。其音色特點是：女高音華麗靈巧，女中音溫柔圓潤，女低音豐滿寬厚，男高音高亢明亮，男中音渾厚莊嚴，男低音低沉莊重。他們之間的音域也各不相同。
其中女高音中還分：音色清脆靈巧的花腔女高音；音色秀麗甜美的抒情女高音；音色剛強壯實的戲劇女高音。
男高音中有音色明朗而抒情的抒情男高音；音色壯麗而堅實的戲劇性男高音等。
2、齊唱（領唱、齊唱）
齊唱是指一個歌唱集體，大家都唱同一個旋律，也就是單聲部的群唱。
3、重唱（包括各種男女聲二、三、四重唱）
是聲樂演唱形式之一。指兩個以上的演唱者，各按自己所分任的聲部演唱同一樂曲。按聲部或人數分為二重唱、三重唱、四重唱、六重唱等。
歌劇中的重唱基本上是兩個以上的人物進行感情交流的表現方式，包括男女聲二重唱等等。
4、合唱（領唱、合唱）
指集體演唱多聲部聲樂作品的藝術門類，常有指揮，可有伴奏或無伴奏。它要求歌唱群體音響的高度統一與協調，是普及性最強、參與面最廣的音樂演出形式之一。
人聲作為合唱藝術的表現，有著其獨特的優越性，能夠最直接地表達音樂作品中的思想情感，激發聽眾的情感共鳴。
二、器樂類
1、獨奏（各種類樂器獨奏）（英文名Solo）
一人演奏一件樂器，稱“獨奏”。如手風琴獨奏、鋼琴獨奏等。有時一人獨奏，還有另一人伴奏。如二胡獨奏，揚琴伴奏；小提琴獨奏，鋼琴伴奏等。還有一人獨奏，樂隊伴奏。如嗩吶獨奏，民樂隊伴奏等。
2、齊奏（多種樂器同時演奏一個聲部）（英文名Unison）
1）指兩個或缺唯兩個以上演奏者，用相同的樂器，按同度或八度音程關系同時演奏同一曲調，如二胡齊奏，小提琴齊奏等；
2）指兩個或兩個以上演奏者，用各種不同的樂器，按同度或八度音程關系同時演奏同一曲調，如民樂齊奏等。
（注：“齊奏”的主要意思是：兩人以上同時演奏同一曲調，有使用同樣的樂曲同時演奏，也有使用不同的樂器同時演奏。）
3、重奏（各類樂器同時演奏兩個以上不同聲部的合奏）（英文名Ensemble）
每個聲部均由一人演奏的多聲部器樂曲及其演奏形式。
根據樂曲的聲部及演奏者的人數，可分為二重奏、三重奏，以至七重奏、八重奏等。由于演奏的樂器不同，因而又有鋼琴三重奏、弦樂四重奏、管樂五重奏等等的形式。最常見的重奏形式是弦樂器重奏。
4、交響樂、協奏曲（大型管弦樂隊的演奏）
1）交響樂（英文名Symphony）
是采用大型管弦樂隊演奏的鳴奏曲（奏鳴―交響套曲），其不是一種特定的體裁名稱，而是一類器樂體裁的總稱。這類體裁的共同特征是：
一、由大型的管弦樂隊演奏；
二、音樂內涵深刻，具有戲劇性、史詩性、悲劇性、英雄性，或者音樂格調莊重，具有敘事性、描寫性、抒情性、風俗性等；
三、有較嚴謹的結構和豐富的表現手段。
2）協奏曲（英文名Concerto）
原意是在一起比賽，協奏曲也就是兩種因素既競爭又協作的意思。十六世紀指意大利的一種有樂器伴奏的聲樂曲。十七世紀后半期起指一件或幾件獨奏樂器與管弦樂隊競奏的器樂套曲。巴羅克時期形成的由幾件獨奏樂器組成一組與樂隊競奏者稱為大協奏曲。古典樂派時期形成的由小提琴、鋼琴、大提琴等一件樂器與樂隊競奏的控協奏曲稱“獨奏協奏曲”。
今天的協奏曲形式通常是指古典樂派時期形成的“獨奏協奏曲”。...>>
問題三：音樂的表現形式是什么？要專業的音樂的表現形式可以分為人聲類和器樂類兩大類。
一、人聲類
1、獨唱（男女聲高、中、低音）
一種聲樂演唱形式，由一人單獨演唱，常用樂器伴奏，亦有用人聲伴唱者。因性別和各人的條件、音色不同，又可分女高音、女中音、女低音、男高音、男中音、男低音等獨唱。其音色特點是：女高音華麗靈巧，女中音溫柔圓潤，女低音豐滿寬厚，男高音高亢明亮，男中音渾厚莊嚴，男低音低沉莊重。他們之間的音域也各不相同。
其中女高音中還分：音色清脆靈巧的花腔女高音；音色秀麗甜美的抒情女高音；音色剛強壯實的戲劇女高音。
男高音中有音色明朗而抒情的抒情男高音；音色壯麗而堅實的戲劇性男高音等。
2、齊唱（領唱、齊唱）
齊唱是指一個歌唱集體，大家都唱同一個旋律，也就是單聲部的群唱。
3、重唱（包括各種男女聲二、三、四重唱）
是聲樂演唱形式之一。指兩個以上的演唱者，各按自己所分任的聲部演唱同一樂曲。按聲部或人數分為二重唱、三重唱、四重唱、六重唱等。
歌劇中的重唱基本上是兩個以上的人物進行感情交流的表現方式，包括男女聲二重唱等等。
4、合唱（領唱、合唱）
指集體演唱多聲部聲樂作品的藝術門類，常有指揮，可有伴奏或無伴奏。它要求歌唱群體音響的高度統一與協調，是普及性最強、參與面最廣的音樂演出形式之一。
人聲作為合唱藝術的表現，有著其獨特的優越性，能夠最直接地表達音樂作品中的思想情感，激發聽眾的情感共鳴。
二、器樂類
1、獨奏（各種類樂器獨奏）（英文名Solo）
一人演奏一件樂器，稱“獨奏”。如手風琴獨奏、鋼琴獨奏等。有時一人獨奏，還有另一人伴奏。如二胡獨奏，揚琴伴奏；小提琴獨奏，鋼琴伴奏等。還有一人獨奏，樂隊伴奏。如嗩吶獨奏，民樂隊伴奏等。
2、齊奏（多種樂器同時演奏一個聲部）（英文名Unison）
1）指兩個或兩個以上演奏者，用相同的樂器，按同度或八度音程關系同時演奏同一曲調，如二胡齊奏，小提琴齊奏等；
2）指兩個或兩個以上演奏者，用各種不同的樂器，按同度或八度音程關系同時演奏同一曲調，如民樂齊奏等。
（注：“齊奏”的主要意思是：兩人以上同時演奏同一曲調，有使用同樣的樂曲同時演奏，也有使用不同的樂器同時演奏。）
3、重奏（各類樂器同時演奏兩個以上不同聲部的合奏）（英文名Ensemble）
每個聲部均由一人演奏的多聲部器樂曲及其演奏形式。
根據樂曲的聲部及演奏者的人數，可分為二重奏、三重奏，以至七重奏、八重奏等。由于演奏的樂器不同，因而又有鋼琴三重奏、弦樂四重奏、管樂五重奏等等的形式。最常見的重奏形式是弦樂器重奏。
4、交響樂、協奏曲（大型管弦樂隊的演奏）
1）交響樂（英文名Symphony）
是采用大型管弦樂隊演奏的鳴奏曲（奏鳴―交響套曲），其不是一種特定的體裁名稱，而是一類器樂體裁的總稱。這類體裁的共同特征是：
一、由大型的管弦樂隊演奏；
二、音樂內涵深刻，具有戲劇性、史詩性、悲劇性、英雄性，或者音樂格調莊重，具有敘事性、描寫性、抒情性、風俗性等；
三、有較嚴謹的結構和豐富的表現手段。
2）協奏曲（英文名Concerto）
原意是在一起比賽，協奏曲也就是兩種因素既競爭又協作的意思。十六世紀指意大利的一種有樂器伴奏的聲樂曲。十七世紀后半期起指一件或幾件獨奏樂器與管弦樂隊競奏的器樂套曲。巴羅克時期形成的由幾件獨奏樂器組成一組與樂隊競奏者稱為大協奏曲。古典攻派時期形成的由小提琴、鋼琴、大提琴等一件樂器與樂隊競奏的控協奏曲稱“獨奏協奏曲”。
今天的協奏曲形式通常是指古典樂派時期形成的“獨奏協奏曲”。...>>
問題四：音樂形式有哪些?音樂的表現形式》
共分為兩大類型：第一類：人聲。抱括獨唱、齊唱、重唱、合唱等。
第二類：器樂。抱括獨奏、齊奏、重奏以及各種類型的交響樂等。
一、人 聲 類
1、獨唱（男女聲高、中、底音）
2、齊唱（領唱、齊唱）
3、重唱（抱括各種男女聲二、三、四重唱）
4、合唱（領唱、合唱）等
二、 器 樂 類
1、獨奏（各種類樂器獨奏）
2、齊奏（多種樂器同時演奏一個聲部）
3、重奏（各類樂器同時演奏兩個以上不同聲部的合奏）
4、交響樂、協奏曲（大型管弦樂隊的演奏）
另外還有戲劇、舞蹈的音樂
戲劇舞蹈音樂指作為為戲劇、舞蹈演出而編配的音樂。它可以與戲劇、舞蹈同時出現，又可以以單獨演奏的形式出現。
問題五：音樂有哪些表現手法，比如對比。漸強，漸弱
問題六：音樂的特征有那些，請舉例說明流行音樂 所謂流行音樂，是指那些結構短小、內容通俗、形式活潑、情感真摯，并被廣大群眾所喜愛，廣泛傳唱或欣賞，流行一時的甚至流傳后世的器樂曲和歌曲。這些樂曲和歌曲，植根于大眾生活的豐厚土壤之中。因此，又有大眾音樂”之稱。 流行音樂起源于美國的爵士音樂。20世紀初，美國出現了一種由多民族文化匯集而成的爵士音樂。這種新興音樂，以它獨特的演奏(演唱)方式，刷新了聽眾的耳目，轟動了全美國，又很快傳遍西歐各國。 在今天，流行音樂所包含的內容極其廣泛。在器樂作品中，它包括豐富多采的輕音樂、爵士樂、搖擺舞曲、迪斯科舞曲，探戈舞曲，圓舞曲以及各種不同風格的舞曲和各類小型歌劇的配樂等。 流行音樂中器樂作品的特點是：節奏鮮明，輕松活潑或抒情優美，演奏方法多種多樣，音響多變，色彩豐富，織體層次簡明，樂隊規模不大，現代作品多使用電聲樂器。聲樂作品的特點是：生活氣息濃郁、抒情、風趣、音域不寬，手法通俗、曲調順口、易于傳唱；歌詞多用生活語言，淺顯易，易為聽者接受和傳唱；歌手多是自成一格的流行歌星，發聲方法各有千秋，不受聲樂學派的約束，演唱時感情重于聲音技巧，動和自由不羈，自然親切，易引起聽眾的共鳴；小樂隊的強聲伴奏與歌聲融為一體。由于流行音樂具備上述特點，所以就能夠和群眾連在一起，無論文化水平的高低，都易于接受。
問題七：欣賞音樂的方法有哪些（一）作品與作者所處的時代北背景。
一個音樂作品，總是表現了作者對現實生活的感受，只有了解作品的時代背景，才能極深刻地理解它的思想感情。
（二）作者的藝術特色
音樂作者由于生活時代、環境和經歷及藝術趣味的不同，表現為不同的藝術特色。
（三）民族特征
一切音樂作品都植根于民族、民間音樂，因此，有著強烈的民族特征。例如，有些作品只是概括地體現了民族語言的某些特點，有的則和具體的民間音調保持著密切的聯系，白毛女音樂中的《扎紅頭繩》一段，就是保持了山西秧歌《拾麥穗》的基本曲調。
（四）音樂語言
作曲家創作樂曲，如同文學家寫詩作文一樣，有自身表情達意的體系，這就是音樂語言，音樂語言包括很多要素，如旋律、節奏、拍子、速度、力度、音區、音色、和聲、復調、調式、調性等，一部音樂作品的思想內容和藝術風格都要從以上要素中表現出來。
（五）曲式、體裁和標題
曲式是音樂材料的排列樣式、也就是樂曲的結構布局。具體可分為樂段、二段式、三段式、復三段式、變奏曲式、奏鳴曲式和套曲等形式。體裁是音樂的品種，是在各時代，各民族，各階級和個階層的社會文化生活中形成的，各種體裁有各自的規律和特點，如歌曲、舞曲、進行曲、夜曲、序曲、交響曲、組曲等等，這些體裁適合于表現不同的題材和內容。在器樂作品中，有標題音樂和非標題音樂之分，標題是指說明作品內容的一段文字，是幫助人們理解音樂的。
問題八：音樂的基本表現要素主要包括被稱為“音樂靈魂”的音樂基本要素：音樂的基本要素是指構成音樂的各種元素，包括音的高低，音的長短，音的強弱和音色。由這些基本要素相互結合，形成音樂的常用的“形式要素”，例如：節奏，曲調，和聲，以及力度，速度，調式，曲式，織體等。構成音樂家的形式要素，就是音樂的表現手段。音樂的最基本要素是節奏和旋律。 1、節奏：音樂的節奏是指音樂運動中音的長短和強弱。音樂的節奏常被比喻為音樂的骨架。節拍是音樂中的重拍和弱拍周期性地、有規律地重復進行。我國傳統音樂稱節拍為“板眼”，“板”相當于強拍；“眼”相當于次強拍（中眼）或弱拍。 2、曲調：曲調也稱旋律。高低起伏的樂音按一定的節奏有秩序地橫向組織起來，就形成曲調。曲調是完整的音樂形式中最重要的表現手段之一。曲調的進行方向是變幻無窮的，基本的進行方向有三種：“水平進行”、“上行”和“下行”。相同音的進行方向稱水平進行；由低音向高音方向進行稱上行；由高音向低音方向進行稱下行。曲調的常見進行方式有：“同音反復”、“級進”和“跳進”。依音階的相鄰音進行稱 為級進，三度的跳進稱小跳，四度和四度以上的跳進稱大跳。 3、和聲：和聲包括“ *** ”及“和聲進行”。 *** 通常是由三個或三個以上的樂音按一定的法則縱向（同時）重疊而形成的音響組合。 *** 的橫向組織就是和聲進行。和聲有明顯的濃、淡、厚、薄的色彩作用；還有構成分句、分樂段和終止樂曲的作用。 4、力度：音樂中音的強弱程度。 5、速度：音樂進行的快慢。 6、調式：音樂中使用的音按一定的關系連接起來，這些音以一個音為中心（主音）構成一個體系，就叫調式。如大調式、小調式、我國的五聲調式等。調式中的各音，從主音開始自低到高排列起來即構成音階。 7、曲式：音樂的橫向組織結構。 8、織體：多聲音樂作品中各聲部的組合形態（包括縱向結合和橫向結合關系）。 9、旋律：聲音經過藝術構思而形成的有組織、有節奏的和諧運動。旋律是樂曲的基礎，樂曲的思想感情都是通過它表現出來的。 節奏和節拍是音樂構成中的重要因素，在音樂表現中具有重大意義。節奏與節拍在音樂中永遠是同時并存的，不可分離的。它們以音的長短、強弱及其相互關系的固定性和準確性來組織音樂。帶重音和不帶重音的同樣時間片斷按照一定的次序循環重復叫做節拍。譬如列隊行進中整齊的步伐，就充分體現了這點。假定左腳帶重音，右腳不帶重音，左－右－左－右就是輕－重－輕－重，這就是節拍。 節奏的含意有兩種：廣義地說，一切協調、平衡、律動都可稱為節奏。狹義地說，節奏是音的長短關系。列隊行進中變化著的鼓點，體現了音的長短關系，如嘣－嘣－嘣嘣嘣，這就是節奏。在音樂作品中，具有典型意義的節奏，叫節奏型。例如交誼舞中的快三步（相當于古典音樂中的維也納圓舞曲）其節奏型是“蓬、拆、拆、蓬、拆、拆”，用音樂術語說是屬于6/8拍子（讀作八六拍在樂曲中運用某些具有明顯特點的節奏型的重復，使人易于感受，便于記憶，也有助于樂曲結構上的統一和音樂形象的確立，所以它在音樂表現上意義重大。節奏還有一種功能，就是激發聽眾的情緒，使之不由自主地在身體動作上與音樂共鳴，現代搖滾樂（rock and roll）是一種以極其強烈和粗野的節奏為特點的音樂。它非常迎合青年人喜歡 *** 的特性，因而風行全世界。 下面談拍子問題。用來構成節拍的每一時間片斷，叫做一個單位拍。為了構成節拍而使用的重音，叫做節拍重音。有重音的單位拍叫做強拍，無重音的單位拍叫做弱拍。在樂曲中，節拍的單位用固定的音符來代表，叫做拍子。拍子是用分數來標記的。分子表示每小節中單位拍的數目，分母表示單位拍的音符時值。拍號的讀法是先讀分母后讀分子，如3/4拍子讀......>>
音樂創作的方法具體指的是什么呢？音樂創作的切，可以是作詞、作曲，甚至是學習唱歌，作詞方法也分很多種，像林秋離老師就是“定位作詞”法，大概就是說在確認一個人或者一首歌的設定之做啟后，再進行圍繞主題的創作，然后許常德老師就比較喜歡有感而發，或者從周邊事物上獲取靈感。其實，學習完別人的方法之后，我就可以更快地摸索出屬于自己的一套純纖如創作體系，大概這就是大師的力量吧！這兩位老師的課都在音豎跡樂人星球APP上可以看，推薦！
